1977-Anita Tijoux: Una mc hace terapia y logra un discazo

Recomendada por el mismo Tom Yorke, 1977 es un disco que impacta como un golpe certero. Una retrospectiva en la vida de una las Mc más grande de la música Chilena.

Anita Tijoux fue el exponente mayor del Hip Hop femenino, allá por sus comienzos como Mc, junto a Makiza, donde logró un reconocimiento a nivel popular, con temas como La rosa de los Vientos, una canción que compartiría el mismo el mismo destino que El juego verdadero de Tiro de Gracia, representando la explosión del Hip Hop Chileno. En 1977, Anita, decide contar la historia de su vida sin ningún tipo de censura, de una manera épica y descarnada. Una autobiografía que arranca desde su concepción, en un hospital, hasta su adolescencia, donde junto con sus compañeros repartía sus grabaciones en casettes, de manera independiente. Luego de su paso por Makiza, su carrera solista fue un vaivén en donde decidió acercarse cada vez más al pop, como en Kaos, disco que parecía marcar el nuevo camino de la cantante chilena. Pero en 1977, Anita Tijoux decide alejarse del corporativismo, al que machaca a través de sus rimas; “Nuestro artículo primero es inamovible/no queremos migajas queremos sentirnos libres, canta en Sube y agrega” nuestro canto apuesta a todos sus objetivos /ustedes corporativos, nosotros caja de ritmo”. La rima de Anita Tijoux es como puntada fría en el pecho, como ella misma dice “agresiva y relajada”, como quien posee una seguridad absoluta de sus actos, pero necesita la rabia del cambio, la rebeldía. Como propone en Obstáculo “Somos los mismos / los del rebaño / nada ha cambiado ni nada es en vano, Anita Tijoux quiere seguir mostrando que aún es una Mc con este disco que contiene líricas de un nivel superlativo. Pero darle todo el crédito seria mentiroso, Bubaseta aporta lo suyo en mi Pie Izquierdo, junto a Stailok, lo propio hace Hordato, ya colaborador incondicional que había grabado uno de los temas más rescatables de Kaos, A veces. Y para homenajear a su país natal, Francia, lugar donde sus padres se exiliaron de la dictadura de Pinochet, entona junto a Solo Di Medina Oulala, un smoot jazz que confirma el nuevo sonido de la cantante chilena, que lejos de haberse conformado con vender discos, pretende entrar en el mundo grande de la música. Aunque como ella misma afirma en obstáculo, “la verdad yo no se si hago arte”, al menos lo intenta.

El Qubil: Nuevo espacio para músicos independientes

“El cubil nace después de muchos viajes a Buenos Aires a la Umi (Unión de músicos independientes) Buenos Aires, nos empezaron a romper la cabeza para que hagamos el mismo trabajo acá en Rosario”, cuenta Andrés Abramowski, presidente y una de las cabezas de este proyecto que tiene como objetivo aglutinar y formar un espacio para los músicos independientes de la ciudad. Sadaic, La ley Nacional de música, los recitales, grabación de discos, son muchos de los temas que hoy por hoy preocupan a los músicos que se autogestionan y no dependen de una empresa o productor discográfico. Pero para Abramowski lo más importante del cubil es el espacio que se puede formar para mantenerse en contacto entre los músicos “Nunca nadie va a venir a resolverles los problemas a los músicos, es más, la historia indica todo lo contrario, a los músicos siempre se les sacó guita. Nosotros lo que proponemos es mejorar las condiciones en las que laburamos, no solo los convenios y facilidades que podamos tener como institución legal, nos interesa más que nada agruparnos y obtener información de la situación de los músicos en nuestra provincia, y tratar de ser cada día un poco menos boludos, en lo que ya tenemos bastante experiencia” La Umi cuenta con un servicio de reciprocidad por lo cual todos los convenios que cuentan en Buenos aires automáticamente pasan al cubil, igualmente el camino todavía es largo. También según explica Andrés, tiene un convenios en Buenos Aires con el canal CM, con imprentas, servicios de kinesiologia, hasta psicólogos, hostels. Hoy por hoy uno de los más importantes y que esta instrumentado para el Cubil es de la replicación de disco. “Nosotros pedimos la autorización a la Umi para que avisen a las imprentas cual banda va a utilizar esos convenios, de más esta decir que esto aminora un montón la cantidad de guita, el precio que tenemos hoy por hoy en el cubil es el mejor del mercado”. En cuanto a rosario, la entidad ya cuenta con un convenio con rosariorock.com para descuentos en la colocación de banners y el envío de mails masivos. “Otro de los que vamos a firmar dentro de poco es con rosario backline, en el alquiler de combos de baterias y otros equipos con un descuento de 50 pesos menos que lo que te saldría si vas por fuera del cubil, también en salas de ensayo para que sean más económicas en determinadas franjas horarias y también de duplicación de cd´s” adelanta Diego Casanova, otro de los músicos e integrantes de la entidad.






Un aspecto importante para los que forman parte del movimiento es mejorar la calidad de los shows y de los discos, que el disco independiente no sea sinónimo de “berretaje”. “La idea del convenio es que uno pueda hacer el mejor show y disco posible sin tener que chi manguear, poder utilizar los recursos con los que se cuenten para que el valor agregado sea reconocido, por que si vos chi mangueas el chavón que no entiende nada se va del show por que fue una poronga” comenta sin vueltas Abramowski. Casanova agrega “Calidad no significa cantidad ni tamaño, podés tener un show para veinte personas y aún así lograr un buen sonido.
Tal vez sin darse cuenta, antes de todo el movimiento Indy que vino tras los años, los primeros músicos independientes en la Argentina fueron Los Redondos, al menos los primeros que lograron un éxito comercial sin depender de ninguna discográfica. Armaban sus propios discos, sus shows y lograban un rédito importante. En estados unidos este movimiento duró varios años hasta que fue absorbido por las empresas discográficas que vieron que estas bandas podían mover un grupo grande de gente. Hoy el término Indy se ha transformado en un mero slogan para catalogar bandas, pero sin su espíritu original. La sensación de injusticia y de ser parte de un mercado que exprime a los músicos es lo que inquieta más a los integrantes del Cubil “Nosotros consideramos que esta escena es grande, se hacen muchísimos discos por año, muchísimos recitales, es increíble, ¿y cuanto nos llevamos nosotros? Muy poco. Uno paga publicidad, hosting de webs, espacios para grabar, alquiler de instrumentos, generamos un movimiento comercial. Le llevamos gente a los boliches. La idea no es decir, vamos por todo la guita, pero que no nos caguen más, pero si en este país decís querés que no te caguen y no hacés un piquete, te van a seguir cagando. Hay que cambiar esta idea de que el bolichero piense que si te deja tocar te esta haciendo un favor”.

Jorge Drexler: Amando la trama

Amar la Trama, el nuevo trabajo de Jorge Drexler, propone un recorrido por el vasto y complejo mundo de las relaciones amorosas.



Luego de lo que fue un disco oscuro y meláncolico como 12 segundos de oscuridad, Drexler vuelve a un terreno más bucólico, dónde mejor se expresa, con canciones que hablan de las relaciones humanas, especialmente entre el hombre y la mujer en un tono más optimista, aún que él prefiera la palabra “pesimista luminoso” No en vano, en el tema que hace alusión al título del disco “la trama y el desenlace”, Drexler nombra a Rohmer y defiende sus principios “ir por ahí como en un film de Eric Rohmer, sin esperar que algo pase”

Antes de sacar el disco, el uruguayo remarcaba su idea conceptual para este disco “Lo que buscaba no era la energía evidente y expansiva de una participación directa del público, sino la energía sutil e implosiva de esa presencia. La gente está pero no se oye, porque nosotros queríamos tener una diana hacia la cual cantar. Es como la pared no visible, como la cuarta pared, digamos de alguna manera”. Y a pesar que a nivel resultado el disco no logre tener una energía igual a la que puede tener un disco en vivo, las canciones son muy logradas. Entre las que se encuentran Tres millones de latidos, un cóctel que mezcla vientos y acordes menores da comienzo al disco donde expresa con nihilismo, “Estoy aqui de paso, yo soy un pasajero, no busco llevarme nada, ni usar el mundo de cenicero”, canta Drexler. O en Los transeúntes donde con humildad se pregunta “¿Que es lo que viste en mi para que abrieras tus piernas?

Drexler en este disco explora una línea más literaria en sus letras, bordeando el límite que entre la sonoridad de la canción y lo que se puede decir. Arriesgando un poco más en pos de la temática de la canción, como bien el Hip Hop sabe hacer. De todas maneras demuestra no querarse parado en ningún lugar y experimentar en cada disco. Hasta se anima a versionar una canción de su mujer Leonor Watling “Toque de queda” una balada mexicana en donde se confunden las dos voces. En el final, la parte emotica se la lleva "Noctiluca” canción que el cantante compuso para su futuro hijo “Un día comprenderás que esta canción habla de ti”.

Sobre el nuevo documental de Guggenheim

Davis Guggenheim, el mismo realizador del documental que supo poner a Al gore de nuevo en la boca de todos los medios de Norteamérica (La verdad incómoda), logro reunir a tres de los guitarristas más influyente e innovadores de los últimos tiempos para charlar sobre música, y por que no, zapar un rato.

Documental que increíblemente no pasó por las salas de cine, It Might Get Loud (A todo Volumen) como tristemente decidieron llamarla por nuestros pagos) se adentra en el micromundo de tres guitarristas separados por distintas generaciones, estilos y filosofías sobre la música. Por un lado la mirada Jack White; Salvaje, golpea su guitarra al mejor estilo Hendrix, reniega de los efectos y pedales y todo aquello que facilite la ejecución del instrumento, hasta construye una guitarra punk con una madera y tres clavos. Por el otro; The edge, obsesionado con sus pedales y efectos sonoros, es un meticuloso que en encuentra en la perfección su sonido, y Jimmy Page que lejos de mostrarse anticuado, es quizá el equilibrio perfecto entre música, efectos, y técnica musical.

Pero más allá de los aspectos musicales, la zapada final incluida, lo más rescatable del film es la retrospectiva sobre los orígenes de cada uno, las primeras guitarras, sus influencias. Jack White y su adolescencia punk, The edge en Dublín cuando junto a su hermano cuando construían guitarras, Jimmy Page tocando Skiffle junto a sus compañeros de secundaria. Page abarca también la parte más emotiva, como un gurú de la guitarra, White y The edge miran y escuchan cada uno de sus movimientos y opiniones, toda esa mitología que seguramente ellos mamaron, ahí sentada, charlando y!tocando con ellos!.

En síntesis, Guggenheim aquí despliega toda su técnica como editor y guionista, logra lo que en La verdad Incómoda por cuestiones comerciales y de practicidad seguramente no había ejecutado. It might Get Loud nos adentra no solo en el mundo de los personajes, sino también que sirve como un documento valioso a la hora de entender la historia de la música y los orígenes del rock, como propuesta desde los márgenes y fuera de todo artificio comercial, con el cual los tres supieron luchar.

Osvaldo Bayer: El gran polemista

El exilio, las complicidades, la memoria manipulada, el regreso a la tierra. Escrito por Fabian Dialoisio y Bruno Napoli, Entredichos, nos presenta ante un Bayer auténtico dentro de un campo que maneja a la perfección y que poca veces resulta herido, el de la polémica.

La llegada de la democracia lejos de ser bálsamo reparador, abrió nuevas heridas. Muchas de ellas se suturan en este libro bajo la mirada revisionista de un Bayer que reniega de aquellos que fueron cómplices de la Dictadura y de un día para otro se transformaron en baluartes de los derechos humanos. Tal es el caso de Sábato, entre otros, a quién fustiga en el periódico de las Madres de Plaza de Mayo en un texto llamado La verdad a medias, no. Sábato en su momento defendió a Monseñor Pío Laghi cuando su nombre apareció publicado en las listas de la CONADEP. El escritor del túnel, (luego del pedido desesperado de muchas madres que creían, como el mismo también, que el General Videla pertenecía a la rama moderada de las fuerzas armadas). tuvo un encuentro con el ex represor. Su encuentro terminó con declaraciones elogiosas para el ex-dictador y con fotos de los dos sonriendo y abrazados. Según Bayer, esto fue un gran espaldarazo para la dictadura que necesitaba legitimación social, sobre todo en el extranjero, dónde más se difundieron. Sus frivolidad sobre quién fue uno de los pilares máximos para la formación de la Triple A, hoy parecen risueñas. “El general Videla me dio una excelente impresión. Se trata de un hombre culto modesto e inteligente. Me impresionó la amplitud de criterio y la cultura del presidente. Fue una larga travesía por la problemática cultural del país. Se habló de la transformación de la Argentina, partiendo de su cultura”. La pregunta que se hace Bayer es como un hombre que se autoproclamaba de la “izquierda democrática”, no estuviese enterado de los crímenes que se cometían a personas y a colegas suyos.





Otro de los puntos fuertes se encuentra al principio del libro, cuando el escritor Argentino tiene un largo debate con uno de los representantes del instituto de relaciones exteriores de Alemania. Gunter W. Lorenz, que había invitado a Bayer a exponer un coloquio sobre la experiencia de los exiliados en Alemania en la época de la dictadura. El entusiasmo de este lo llevan a escribir un pre-discurso excelente, pero sin ser demasiado halagador con el país de Europa, cosa que lleva al Lorenz a rechazar el prediscurso y la exponencia del mismo. Y a pesar que dos de las cartas de Lorenz se perdieron en viajes y entre la enorme biblioteca del autor, las respuestas que realiza el mismo son fulminantes y permiten desenmascarar a una Alemania, que lejos de ser como la imagen que quería el instituto reflejar, un país que lucho contra las dictaduras en Latinoamérica, se nos muestra por el propio Bayer como una Nación apegada ideológicamente a los mismos métodos antidemocráticos que se practicaban en la argentina en ese momento. Los Mitlaufer, como Bayer llama a los que no participaron de una manera activa del nazismo, pero si en una manera pasiva, se confunden con el mismo caso que Sábato en argentina. El mismo Herman Hesse denunciaba en su momento a estos personajes, recibió una respuesta en su exilio en Suiza de una joven alemán sobre ellos, “Lo que considero más abominable es cuando esa gente dice; he sido un mero Mitlaufer. Me moriría de vergüenza antes decir eso, Prefiero un nazi legítimo y brutal con el diablo adentro, que un mero Mitlaufer", despotricaba la muchacha.
Quizá en el único debate en el que Bayer parece perder es el que tiene con el Periodista Rodolfo H. Terragno, quién cuestiona la idea de un regreso de los exiliados con una cierta gloria que el escritor decía no merecer; ¿Quién es el protagonista? El que sufre las torturas o el que las denuncia? ¿El dolor está, acaso, más en el papel que en las llagas? Se pregunta Terragno.
Bayer insistirá todo el libro contra los Mitlaufers de nuestra dictadura, contra la targiversación de Severino Di Giovanni, la violencia como modo de lucha. La defensa de las madres de Plaza de Mayo contra los ataques de la prensa internacional y varias cuestiones que abarcaron la vida política y social de la Argentina en su época más convulsionada.

Imaginar Afganistan con Malalai Joya.

“Soy de una generación de guerra. A los cuatro años, tras la invasión rusa, fui al campo de refugiados de Irán. Cuando cumplí siete, fuimos a un campo en Pakistán. En el instituto me hice activista social: por las mañanas era estudiante y por las tardes profesora; tenía 16 años. Decían que el campo era como un cementerio de seres vivos. Vi morir a un bebé. Y lloré.”

El 17 de diciembre del 2003 sería un día clave para Malalai Joya. Ese año, en La Loya Jirga (La gran asamblea), instrumento democrático de tradición afgana en las que los notables de todo el país se reúnen para tomar decisiones por consenso, Joya, con solo 26 años, dio un discurso denunciando a los mujaidines como; señores de la guerra, misóginos, y culpables de la destrucción de Irak. En ese momento, el discurso de esta joven envalentonada se tomó con algo de escozor y hasta con aplausos por muchos de los presentes. Hoy aquel épico hecho se convirtió en una pesadilla para ella.

“Tengo un problema, me quieren matar”

La burka, símbolo del sometimiento y la misoginia en oriente, se transformó hoy por hoy para Malalai Joya en una ayuda para pasar desapercibida mientras camina rodeada por sus guardaespaldas, tras los distintos intentos de asesinato que tuvo en su contra.
Es activista social desde su adolescencia y desde el 2005 sorprendentemente fue elegida diputada en Afganistán.
En el 2006, fue expulsada del parlamento tras denunciar en una entrevista la inutilidad del parlamento. “El burro lleva cargas, la vaca da leche, el parlamento no hace nada”, fueron sus palabras. En el mismo parlamento, mientras hace sus denuncias, los mujaidines amenazan con matarla y violarla. Anteriormente, en mayo del 2006, antes de su expulsión definitiva, la diputada acuso a varios de sus colegas de haber sido guerrilleros asesinos en el pasado. “"Hay dos tipos de muyaedín (guerrilleros islámicos) en Afganistán: uno es el que luchó por la independencia, y a ellos los respeto. Pero el otro destruyó al país y causó 60.000 muertes", dijo. Al escuchar esto, varios legisladores la insultaron, le lanzaron botellas de plástico y la amenazaron de muerte. Por suerte, un grupo de legisladores moderados formó un cordón de seguridad a su alrededor y logró salir ilesa.
El 15 de Abril del mismo año una sesión de preguntas y respuestas en el parlamento, a Joya le dieron tiempo para formularle las preguntas al candidato para el ministerio de comercio del nuevo gabinete. Empezó por una pregunta que le había recomendado un viejo que hiciera. La pregunta era por que todos los ministros durante sus discursos juraban y perjuraban por Quran que eran Mujaidines “¿Tienen alguna dudad de lo que son? A la gente no le importa esos rezos por que en el pasado muchos de líderes cometieron crímenes, entonces fueron a la meca y rezaron por parar de hacerlo, pero no mantuvieron sus promesas.”

La Afganistán Moderna

En 1978 un grupo de jóvenes oficiales izquierdistas bajo el mando de Mohamed Taraki, establecieron un régimen comunista en Afganistán. Las reformas socializadoras y laicas llevadas a cabo por el gobierno de Taraki chocaron con una población aferrada a un pensamiento islámico anclado en el pasado y que vivía en una sociedad aún con rasgos feudales. Una resistencia a este sistema pronto se concretó en guerrillas islamista de "mujahidines" Los problemas internos de las dos principales tendencias comunistas precipitaron la intervención de la URSS en 1979.
El precio que debió pagar la Unión Soviética por su intervención fue alto. Estados Unidos consideraba que el país asiático se encontraba fuera de la zona de influencia soviética. La respuesta fue el embargo de granos para exportar a la URSS y ayuda militar a la guerrilla Islámica. Hacía 1982, el conflicto entre las dos facciones generó el desplazamiento de miles de afganos hacía lugares linderos. Casi tres millones a Pakistán y un millón y medio hacía Irán. Irónicamente, la guerrilla armada por los Estados Unidos y reforzada con voluntarios árabes y musulmanes, entre ellos, Osama Bin Laden, puso en jaque al ejército Soviético.
Finalmente en el marco de la perestroika, Gorbachov decidió sacar a sus tropas de los que muchos denominaban el "Vietnam soviético". En 1988, la URSS, EE.UU., Pakistán y Afganistán firmaron un acuerdo por el que los soviéticos se comprometían a retirar sus tropas lo antes posible. Lo que efectivamente hicieron en 1989.
Pero la paz duró poco. En 1992 las guerrillas islamistas asaltaron Kabul y se inició un período de luchas intestinas que culminaría con la toma del poder por los extremistas islamistas talibanes en 1996.

Cambiar todo para que nada cambie

En una conferencia en San Sebastían, España a Malalai Joya le preguntaron por el Nobel de la paz recientemente concedido a Obama. Su respuesta fue contundente: "Es una burla a la paz darle el Nobel al presidente de los Estados Unidos. Se lo han dado al presidente de la Guerra. ¿Qué ha hecho Barack Obama durante estos nueve meses en Afganistán, Pakistán, Palestina...?"
Luego de la tragedia del 11 de Septiembre, los talibanes fueron derrotados en Afganistán, pero según joya y mucha gente de partidos independientes solo fue cambiar todo para no cambiar nada, de hecho según ella, fue un cambio solo fisonómico; “No hay cambios fundamentales, si cabe es peor. Después de la tragedia del 11 de septiembre, Estados Unidos sustituyó a los talibanes por los asesinos de la Alianza del Norte, con la misma mentalidad que los talibanes pero físicamente distintos, llevan traje y corbata, pero son iguales” fustigó. Más irónica fue una feminista afgana, «Se diferencian de los talibán en que no llevan la barba tan larga».

En Afganistán el 40 % de la gente carece de empleo el 90% es pobre. No no hay seguridad en la calles, se cometen violaciones y asesinatos a activistas, todo bajo la mirada impávida de las tropas Estado Unidenses. “Los asesinos son de la Alianza del Norte, no son Talibanes. Un diputado mató a dos niños y los arrojó al río. Hubo protestas pero acusaron a los manifestantes de ser antitalibanes. Afganistán tiene dos enemigos, uno son los talibanes y el otro es la Alianza del norte. "La Alianza apoya a los estados unidos y los talibanes están en contra, pero ambos son enemigos del pueblo afgano", sentenció Joya en una entrevista realizada en el 2008 en un portal feminista.

Divididos: Amapola del 66

La banda de Mollo vuelve a la escena con un disco que mezcla grandes canciones con momentos de virtuosismo puro.

“La madre de este invento fue la angustia, hoy la industria”, grita Mollo en “Mantecoso”, tercer tema de Amapola de 66, tema además que cierra con un Riff que recuerda a la mismísima Black Hole Sun de Sound Garden. Y que banda más indicada para lanzar este aforismo sino Divididos, que arrancó en los primitivos e improvisados 80 y hoy se encuentra en pleno 2010 viviendo una era de súper profesionalización, con contratos millonarios y estadios repletos. Pero ese complejo existencial que lleva a Mollo a hacerse esa pregunta bailotea en la mayoría de los músicos que padecen esta transición y dicotomía resumida en: arte e industria. El Indio Solari, exponente máximo(o más conocido) de la música anti-sponsor, ni siquiera acepta productores, y convoca a 50.000 personas sin una pauta de publicidad. Misterios del arte y el mercado que lo alimenta.

Divididos o “La aplanadora del rock”, como apodaron a la Banda, presenta este disco luego de varios compilados y discos en vivo, que sirvieron para sofocar la ansiedad de los fans que esperan la llegada de un hijo nuevo. Pero una de las incógnitas que desvelaba, no solo a los seguidores de la banda sino también a Mollo y compañía, era ver como se amoldaba Catriel Ciavarella, nuevo engranaje que si bien acompaño a la banda por un gran tramo de recitales en vivo, en el ambiente del estudio y la creación la química podía fallar.

Pero nada de esto sucedió. Amapola del 66 es el disco de Divididos que por decantación debía producirse. Sin dejar el típico formato canción, la banda se anima a explorar esos terrenos que antes se insinuaban o solo quedaba para los recitales. Los coqueteos con Hendrix, la música folclórica, los desvaríos instrumentales y psicodélicos, aquí se encuentran explotados de una manera más jugada que discos anteriores. Aún sin dejar los tópicos que siempre movilizaron a la banda, el rock y su circo, la vida cotidiana, el vacío existencial. Divididos propone una experiencia sonora que eleva el concepto de la banda hacia otro nivel. En Amapola del 66, track que golpea con un Fa# y que nombra al disco, Mollo logro su mejor vuelo poético; "Todo esta vivo a pesar del dolor, si me sonreís/ríos de cuerda que vienen de vos, justo a mi corazón". Otro de los puntos altos del disco es cuando se animan interpretar junto a Peteco Carabajal, la Flor azul, un clásico tema del padre de Arnedo. O la Cinematográfica Jujuy, que cuenta con un fragmento de una poesía de poeta jujeño Germán "Churqui" Choquevilca. Ya en el final del disco, con El perro Funk ¿Que me queres vender? Que me queres comprar? El por las dudas te va a ladrar..., la banda explota todo su potencial instrumental y rítmico. Y Por último Todos, (tema que la banda grabó en homenaje a los alumnos muertos en el accidente de transito conocido como La tragedia de Santa Fé), una balada en clave de Blues ý con cierto aire filosófico que plantea el dolor como forma de transformación, “No será que ese dolor traerá luz y dar conciencia, es para abrir, abrir tu cabeza es para abrir, es para ir más allá."

Ryan Adams y la Batalla en Orion

Ryan Adams se encontraba en la habitación de su hotel cuando inesperadamente le llegó a sus manos una firmada nada menos que por Elton John. A pesar de creer que se trataba de una broma, llamó a la enciclopedia viviente del rock para confirmarlo. Las palabras de Elton para su discípulo fueron, “your last record changes my life”, (tu último disco cambió mi vida).

Tamaño elogio para la opera prima de un artista, pero no desmedida. Heartbreaker es el primer disco que realizaría el Enfant Terrible, como luego lo llamaría la crítica, después de dejar su banda Whiskeytown. Si uno escucha Heartbreaker sin conocer la historia de Ryan Adams, pensaría que está ante el quinto o sexto disco del artista, al menos si las cosas fueran normales, pero Ryan Adams no es normal, y su carrera tampoco. Por que después de un disco prolífico como ese, el músico norteamericano lanzaría Gold (2000), disco que lo lanzaría a la fama y hacía una carrera de autodestrucción de la que pocos imaginaban que saldría vivo. “Recuerdo haber tomado drogas que en mi libro de vocabularios nunca pensé que estarían, crack, anfetaminas, cocaína, nunca fue aburrido”, declaró alguna vez. De esa etapa salieron discos de rock and roll punk, como Demolition (2002), Rock and roll (2003), y el que pensaba que iba a ser su gran disco Love is Hell, un disco incomprendido que la discográfica lo sacó como un simple Ep, a pesar de tener grandes canciones como Political Scientist o This house is not for sale.

En ese entonces Ryan Adams aparecía como un Kurt Cobain versión country, dando alaridos en el escenario, cayéndose, echando gente que le pedía la canción de Bryan Adams summer of 69. Pero un buen día apareció de la mano de su novia la modelo y escritora Jessica Joffe, diciendo a la prensa que había dejado las drogas y que estaba totalmente sobrio. En el 2007, mientras viajaba con The Cardinals, su banda country, se gestarían de un tirón las canciones que conformarían su álbum Easy Tiger. 13 canciones que demuestran lo prolífico del músico, y explica por que se lo compara con el prócer Bob Dyland. Pero cuando todos pensaban que el tigre se había amansado, llega Orion, disco sorprendente si los hay. Digo sorprendente por que a pesar que desde su facebook y de distintos medios anunciaba que su nuevo disco sería influenciado por el Metal, o colgaba una foto en facebook vestido como un músico de Black Metal, uno creía que eran declaraciones exageradas. El adelanto ElectroSnake, una canción si se quiere Hard Rock confirmaba esto, pero fue un engaño. Orion no tiene nada que envidiarle a cualquier disco de Misfits, Metallica o Megadeth. Desde el comienzo con una intro apocalíptica comienza Signal Fade, y nos damos cuenta que no vamos a encontrarnos con un disco como los anteriores.

El disco conceptual que propone, desde una batalla intergaláctica, no deja lugar a la respiración. Ni siquiera cuando aparece Ghorgon Master of War, con una guitarra acústica, que el rato se diluye para entrar de nuevo en la locura de las guitarras de Adams y el sintetizador de Jaimie Candiloro, su productor de cabecera. El problema reside tal vez que Adams es un cantante melódico, su pasión por el metal y las historietas lo han llevado a hacer este disco, como un capricho que un niño quiere darse. Pero su a vez no parece amoldarse al género. Tal vez después de ese golpe de madurez que adquirió con la llegada de los Cardinals lo amoldó demasiado, algunos críticos pedían una rabia en su voz que no encontraron en Easy Tiger, disco que hizo en un proceso de recuperación adictiva. Esperemos que no se le haya ido la mano. Igualmente Orion es un disco para escuchar de un tirón, con canciones letales que nos meten en un mundo fantástico, apocalíptico y bélico. Pero debo confesar que espero, como dije antes, que esto solo sea un capricho de un niño adulto, como supo autodenominarse Ryan Adams. Y en lo pronto volvamos a escuchar canciones perfectas como las que supo componer alguna vez. Y si esta faceta se prolonga, bienvenida sea también.